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31.12.2009

2000-2009 : mes films de la décennie

Dix films sortis en France entre janvier 2000 et décembre 2009 :

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1. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

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2. There will be blood (Paul Thomas Anderson, 2008)

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3. Elephant (Gus Van Sant, 2003)

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4. Parle avec elle (Pedro Almodovar, 2002)

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5. Man on the moon (Milos Forman, 2000)

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6. In the mood for love (Wong Kar-wai, 2000)

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7. L'homme sans passé (Aki Kaurismäki, 2002)

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8. Million dollar baby (Clint Eastwood, 2005)

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9. Lost in translation (Sofia Coppola, 2004)

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10. Le retour (Andreï Zviaguintsev, 2003)

 

Et dix autres :

11. Ne touchez pas la hache (Jacques Rivette, 2007)

12. Nos meilleures années (Marco Tullio Giordana, 2003)

13. La graine et le mulet (Abdellatif Kechiche, 2007)

14. Paranoid Park (Gus Van Sant, 2007)

15. Princesse Mononoké (Hayao Miyazaki, 2000)

16. Keane (Lodge Kerrigan, 2005)

17. La mort de Dante Lazarescu (Cristi Puiu, 2006)

18. The barber (Joel et Ethan Coen, 2001)

19. Le sourire de ma mère (Marco Bellocchio, 2002)

20. Les herbes folles (Alain Resnais, 2009)

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Mes 10 films préférés de 2009

herbesfollesaff.jpg

1. LES HERBES FOLLES (Alain Resnais)

2. L'ARMÉE DU CRIME (Robert Guédiguian)

3. IMPORT EXPORT (Ulrich Seidl)

4. THIRST CECI EST MON SANG (Park Chan-wook)

5. GRAN TORINO (Clint Eastwood)

6. DÉMINEURS (Kathryn Bigelow)

7. UNITED RED ARMY (Koji Wakamatsu)

8. TOKYO SONATA (Kiyoshi Kurosawa)

9. WALKYRIE (Bryan Singer)

10. LA DANSE, LE BALLET DE L'OPERA DE PARIS (Frederick Wiseman)

*****

Juste derrière (et dans le désordre) : OSS 117 : Rio ne répond plus, Un prophète, Ponyo sur la falaise, Wendy et Lucy, J'ai tué ma mère, Harvey Milk, Public enemies, Le temps qu'il reste, The wrestler, Tulpan, Barbe Bleue, Bronson, Irène...

En roue libre : Ken Loach, Quentin Tarantino, Michael Haneke, Pedro Almodovar, Nuri Bilge Ceylan...

A l'arrêt : Jia Zhang-ke, Woody Allen, Marco Bellocchio, Stephen Frears, Steven Soderbergh, Cédric Kahn, Francis Ford Coppola...

*****

La liste des meilleurs films que je n'ai pas vu : 1. Hadewijch (Bruno Dumont), 2. Delta (Kornel Mundruczo), 3. Antichrist (Lars von Trier), 4. Singularités d'une jeune fille blonde (Manoel de Oliveira), 5. Katalin Varga (Peter Strickland), 6. Adoration (Atom Egoyan), 7. Coraline (Henry Selick), 8. Kinatay (Brillante Mendoza), 9. A l'aventure (Jean-Claude Brisseau), 10. Morse (Thomas Alfredson) (...) 33. Cinéman (Yann Moix) (...) 326. Non ma fille tu n'iras pas danser (Christophe Honoré)

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30.12.2009

Les chats persans

(Bahman Ghobadi / Iran / 2009)

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leschatspersans.jpgTournage clandestin dans les rues et les caves de Téhéran, sujet inattendu (de la dfficulté et du danger de monter un groupe de rock en Iran), bel accueil cannois : une fois satisfaite la curiosité initiale provoquée par ces diverses informations, je dois dire que Les chats persans (Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh), malgré son potentiel de chambardement, n'ont pas fait varier d'un pouce mon jugement sur Bahman Ghobadi. Je reste sur la même impression que lors de ma découverte d'Un temps pour l'ivresse des chevaux (2000) et des Chansons du pays de ma mère(2002), deux de ses quatre autres longs-métrages : s'il réalise des travaux très estimables, le cinéaste n'atteint jamais l'excellence de ses compatriotes Abbas Kiarostami, Jafar Panahi et Mohsen Makhmalbaf. La principale réserve est que chez Ghobadi la forme est souvent délaissée au profit du discours.

Avec ce nouveau film, le cinéaste s'efforce de propager une onde de choc, celle qui naît des instruments des jeunes iraniens et qui ne peut, en l'état actuel des choses, que se cogner aux murs calfeutrés des sous-sols. L'intérêt premier des Chats persans se situe là, dans la visibilité qu'il offre à une jeunesse maintenue sous la chape. Tout le monde a déjà rappelé l'étrange double sens dont se charge ici le terme de rock (ou de musique) underground : le qualificatif renvoie au style et désigne également une réalité topographique. Cette dernière est très bien rendue dans les premières minutes du film, lorsqu'il nous faut circuler dans les ruelles et les arrière-cours avant de descendre dans les caves. Nous le faisons en nous calant dans les pas d'un jeune couple de compositeurs à la recherche de musiciens tentés par l'aventure d'un concert à l'étranger. Un manager aussi passionné mais plus débrouillard qu'eux leur sert, comme à nous, de guide dans ce monde souterrain. Étrangement, l'intérêt topographique du film s'étiole progressivement, la mise en scène ne parvenant que rarement à le réhausser sur la durée. C'est que la répétition des situations (ligne narrative circulaire qui se retrouve souvent dans le cinéma d'auteur iranien et qui a pu donner lieu, chez les artistes pré-cités, à des expériences particulièrement fortes) ne provoque pas d'emballement autre que celui prévu par le scénario (le dénouement, très conventionnel par son habillage, convoquant une musique techno encore une fois synonyme de transe, de drogue et de perte des repères).

Le récit prend la forme de l'enquête documentaire (sans fiction, le film n'aurait-il pas été plus fort ?) car il n'obéit qu'à la logique des déplacements du manager du groupe, présentant successivement aux deux candidats à l'émigration tous les types de musiciens possibles. En resulte une série de saynètes, inégales mais parfois assez savoureuses. Chacune donne lieu, la plupart du temps pour clore la séquence, à une mise en scène de la musique jouée par les gens rencontrés. Au lieu de se cantoner (comme semblent le souhaiter les deux protagonistes) à l'indie rock, Ghobadi dresse un panorama complet de la musique iranienne, ce qui nous fait entendre des airs traditionnels, de la world, du blues, de la soul, du metal, du rap, de la pop, du rock... Aucun n'est réellement désagréable mais l'ensemble fait pencher le film vers l'artifice du catalogue. Plus problématique encore, à mon sens, est l'illustration que propose le cinéaste de ces divers morceaux en les passant tous à la même moulinette. Non qu'il ait fallu renoncer à insérer ces clips dans la narration, mais une différence d'approche aurait pu intervenir entre chaque car tous ont droit au même traitement visuel, quelle que soit leur couleur musicale : un montage rapide, calé sur les beats, d'images documentaires de la société iranienne. A la monotonie et au caractère appuyé du message ainsi véhiculé s'ajoute de plus une atténuation parfois fâcheuse de la singularité des styles et de l'urgence du live.

Mais voici une note bien sévère pour une œuvre très recommandable, chaleureuse et sombre...

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29.12.2009

Tetro

(Francisco Fordo Coppolacini / Etats-Unis - Italie - Espagne - Argentine / 2009)

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tetro.jpgJe n'avais jamais entendu parler de ce jeune cinéaste mais après avoir découvert son premier long-métrage, le dénommé Tetro, j'ai envie de saluer son audace malgré l'impression de ratage presque total que j'ai pu ressentir.

Le bonhomme serait fraîchement diplomé de quelque école de cinéma que cela ne m'étonnerai guère. L'œuvre est en effet sur-référencée et convoque tous les arts possibles, le septième en premier. L'évocation d'un Powell-Pressburger (Les contes d'Hoffmann, dont on voit un extrait) sert à tisser l'un des fils du scénario et cette histoire d'une famille d'artistes torturés se prête à la mise en abîme et à la distanciation fassbinderienne du mélodrame. L'érotisation des corps, tant féminins que masculins, et la circulation d'un désir flottant entre les genres renvoient également au cinéaste allemand et donc, par ricochet, à Almodovar. Une représentation théâtrale nous transporte presque en pleine movida, pas seulement par les échanges en espagnol et l'apparition de Carmen Maura, mais aussi et surtout par le débraillé (certes lêché) de la mise en scène poussé jusqu'au n'importe quoi (Almodovar, donc, enfin... celui de l'époque Pepi, Luci, Bom...).

Notre débutant à choisi de traiter un sujet fort ambitieux, celui de la famille, en l'abordant par la face mélodramatique de la découverte du secret. Consciencieux, il nous gratifie donc, à peu près toutes les dix minutes (sachant qu'il y en a au total 127), d'une grosse révélation pour finir sur un ahurissant point d'orgue. Compte tenu de cela, on comprend que les personnages soient très tourmentés. Comme ils baignent dans l'art, ils dialoguent par formules, s'appliquant à trousser des phrases sonnant de manière définitive au mépris de la plus élémentaire crédibilité des échanges (mais me direz-vous peut-être : quelle poésie, quel mystère, quelle profondeur...).

Sans doute par manque de moyens, notre grand espoir a tourné en noir et blanc, à l'exception des séquences de flash-backs, cadrées en couleurs dans un format plus carré, se rapprochant (comme c'est bien vu !) de celui des home movies(apparaît alors le pourtant très peu latin Klaus Maria Brandauer dans le rôle du Maestro Tetrocini). Il faut dire que Monsieur sait travailler l'image et magnifier ses acteurs (Vincent Gallo est très... affecté... très Vincent Gallo quoi). En revanche, pour retranscrire l'ambiance de Buenos Aires, mettre du tango sur la bande-son et un couple pittoresque s'invectivant avec passion au bord du cadre, c'est un peu juste.

En fait notre jeunot a ranimé un genre délaissé : le film arty (et sexy). Devant le résultat obtenu, la nostalgie nous rattrape par le col (du blouson en cuir) et l'on repense à Rusty James et au Motorcycle Boy...

...Ah, excusez-moi, on m'interpelle... Comment ?... Qu'est-ce que vous dites ?... Non... Qui ça ? Coppola ?... Roman, alors... Non ? Vous en êtes sûr ?... Francis ?!?!... Oh putain !

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27.12.2009

La danse, le ballet de l'Opéra de Paris

(Frederick Wiseman / France / 2009)

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ladanse.jpgL'institution que Frederick Wiseman a décidé de radiographier cette fois-ci est l'Opéra de Paris. Il le fait en long, en large et en travers, filmant aussi bien le bureau de la directrice artistique que les ruches sur le toit du bâtiment ou le dédale des sous-sols. Toutefois, l'essentiel se passe bien sûr au cours des répétitions et des représentations.

Wiseman reprend sa démarche habituelle : pas de voix-off, pas d'inscriptions sur l'écran, pas d'entretien, pas d'intervention. Il construit son documentaire en faisant se succéder de grands blocs de séquences se déployant en des espaces que l'on quitte toujours sur la pointe des pieds avant de se retrouver dans le suivant (le son d'ambiance diminue progressivement et la transition se fait à l'image par l'insertion de quelques plans de coupe fixes sur les lieux intermédiaires, portes, couloirs, escaliers).

Une narration classique impose, dans ce genre de sujet, de décrire une évolution allant des répétitions à la représentation. La danse n'y obéit qu'en apparence, la trame se complexifiant sans cesse, le fil revenant sur lui-même. Cela est dû notamment au nombre important de ballets en préparation (nous en suivons une demie-douzaine) et au saupoudrage d'instantanés échappant à ce mouvement tendu vers un seul point puisqu'ils concernent des activités moins visibles bien qu'essentielles (services de confection, de nettoyage...).

L'enregistrement des répétitions provoque tout de suite la fascination. Les instructions incessantes des maîtres de ballet et des chorégraphes aux danseurs nous aident à saisir les infimes mais ô combien importantes variations pouvant émaner d'un mouvement ou d'une pose. Tension, retenue, délié, harmonie... Il s'agit de mettre un mot sur chaque geste. Le mouvement est morcellé, chaque segment est scruté, suspendu, soupesé, repris, modulé de façon à obtenir en bout de course, une unification parfaite, une libération de flux ne rencontrant aucun obstacle. Le travail, au final, ne doit plus se faire sentir, le danseur accédant progressivement à un état second. L'effort s'efface et le mystère entoure la scène. Le cinéma, art du mouvement, ne peut que sortir grandi de cette magnifique auscultation.

Lors de la représentation, le costume recouvre de son voile opaque les petites imperfections et prolonge les mouvements au-delà du corps alors que la lumière découpe et précise encore les gestes. De même, la coupe sociologique qu'exerce Wiseman ne vise pas seulement à l'information, par le montage et la gestion du temps, elle tend aussi à donner au final une forme harmonieuse à tous ces segments.

Une réunion est organisée afin d'informer les danseurs sur la réforme des régimes spéciaux de retraite, la directrice évoque au téléphone l'hommage rendu à Maurice Béjart après sa mort, des masques morbides trônent dans la réserve de l'accessoiriste, on s'interroge sur l'âge des danseurs, on monte Le songe de Médée (les cadrages, ailleurs larges, se resserrent, rendant l'intensité du ballet, ménageant la surprise des intrusions et de la violence), on descend vers les égouts, les plans extérieurs de nuit et d'aurore se succèdent... Ainsi, à mi-chemin, La danse prend une ampleur incroyable en rendant compte d'une lutte contre le temps et d'une cyclique renaissance (la jeune danseuse et ses progrès, l'éternel retour aux répétitions), et s'étire, sur un rythme étrange, comme si Wiseman ne voulait pas en finir.

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23.12.2009

Après Noël...

...on causera de :

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22.12.2009

Cars

(John Lasseter et George Ranft / Etats-Unis / 2006)

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cars.jpgRien à redire sur le plan purement technique. Cars est un régal d'animation dans le rendu des matières, dans la fluidité des mouvements, dans l'homogénéité visuelle de l'ensemble des séquences et Lasseter sait parfaitement créer une dynamique narrative. La carrosserie est donc nickel et le moteur tourne impeccablement. Malheureusement, il n'y a rien ni personne dans l'habitacle.

Le contenu laisse vraiment à désirer, ne proposant qu'un scénario sans réelle surprise et renvoyant finalement par son moralisme récupérateur aux mauvais films pour adolescents des années 80 tels que Karaté Kid, Top Gun ou Footloose. Récit initiatique et prise de conscience du rebelle individualiste : le message se veut forcément sympathique mais l'impression est tenace d'une modération vraiment très relative d'appels à la consommation agressifs et exténuants (la première partie ne dénonce rien d'autre que le comportement égoïste de Flash McQueen et les "habitants" du bled paumé dans lequel il débarque ne pensent trouver leur salut que dans l'arrivée massive de touristes).

Assez pauvre en gags, comparativement à d'autres productions Pixar, le film, compte tenu de son parti-pris de départ, s'impose un anthropomorphisme peu convaincant. Les efforts considérables destinés à rendre vivants ces véhicules par nature peu malléables ont poussé les auteurs à imaginer des situations "quotidiennes" (faire des achats, faire son plein, dormir dans un garage-chambre d'hôtel) qui débouchent sur des séquences qui ne marchent tout simplement pas, au point que l'on espère jusqu'à la fin (en vain) voir sortir de ces voitures un être humain.

Deux bagnoles s'extasient devant la beauté du paysage majestueux traversé par la route 66 et nous viennent à l'esprit toutes ces images publicitaires déversées par des constructeurs automobiles nous prenant régulièrement pour des cons. Cars échoue à faire naître la fascination des moteurs ronflants chez ceux qui se sentent a priori peu concernés et se révèle donc être plus proche d'Auto-Moto que de Two-lane blacktop.

(L'honnêteté me pousse toutefois à dire que mon jugement sévère attriste fortement mon fiston)

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20.12.2009

Cahiers du Cinéma vs Positif (1979)

Suite du flashback.

 

cdc302.jpgPOS217.JPG1979 : Le numéro de l'été 79 des Cahiers du Cinéma est souvent désigné comme un point de rupture dans l'histoire de la revue. Le retour spectaculaire du cinéma américain (Apocalypse now en couverture et Coppola en entretien) marque pour les uns un nouveau départ salutaire après des années d'égarement intellectuel et pour les autres une capitulation devant la culture cinématographique de masse. Le début de l'année est placé sous le sceau du burlesque et de Toto et une table ronde est organisée à propos de L'homme de marbre de Wajda. Outre Godard, à qui l'on a confié la mise en œuvre du n°300, on croise, à la faveur d'entretiens, Jean-Claude Guiguet, Luc Moullet, Frederic Wiseman, Maurice Pialat, Roman Polanski, Raymond Depardon ou Jean Eustache. La signature de Charles Tesson apparaît et en mars, Serge Daney passe rédacteur en chef.
Dans Positif, Yann Tobin écrit sur John M. Stahl. Le cinéma américain est au centre de plusieurs livraisons : sur deux numéros sont proposés des textes sur Apocalypse now, Michael Cimino et Woody Allen sont rencontrés à l'occasion de Voyage au bout de l'enfer et de Manhattan, le dialogue se poursuit avec Robert Altman et Jerry Schatzberg et les avis sont partagés sur Alien de Ridley Scott. La revue n'en oublie pas pour autant les autres cinématographies (dossier Hongrie et Japon, retour sur l'œuvre de Satyajit Ray, présentation de Krzysztof Zanussi) et défend toujours Rosi, Herzog, Oshima, Bertolucci ou Saura. Le cinéma français, lui, est présent à travers Alain Corneau (Série noire) et Jacques Doillon (La drôlesse). Enfin, comme dans les Cahiers, la redécouverte d'Ozu continue.

Janvier : Le goût du saké (Yasujiro Ozu, Cahiers du Cinéma n°296) /vs/ Le cri du sorcier (Jerzy Skolimowski, Positif n°214)

Février : Pompieri dei vigiu (Mario Mattoli, C297) /vs/ Le Christ s'est arrêté à Eboli (Francesco Rosi, P215)

Mars : Jean Renoir (C298) /vs/ Quintet (Robert Altman, P216)

Avril : Nam June Paik (C299) /vs/ Voyage au bout de l'enfer (Michael Cimino, P217)

Mai : N°300 (par Jean-Luc Godard, C300) /vs/ Allegro barbaro (Miklos Jancso, P218)

Juin : Amour de perdition (Manoel de Oliveira, C301) /vs/ La complainte du sentier (Satyajit Ray, P219)

Eté : Apocalypse now (Francis Ford Coppola, C302) /vs/ Péché mortel (John M. Stahl, P220-221)

Septembre : Playtime (Jacques Tati, C303) /vs/ Apocalypse now (Francis Ford Coppola, P222)

Octobre : Loulou (Maurice Pialat, C304) /vs/ Don Giovanni (Joseph Losey, P223)

Novembre : De la nuée à la résistance (Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, C305) /vs/ La luna (Bernardo Bertolucci, P224)

Décembre : 50,81% (Raymond Depardon, C306) /vs/ Le château de l'araignée (Akira Kurosawa, P225)

 

cdc303.jpgPOS219.JPGQuitte à choisir : La pertinence des retours vers le passé n'est guère contestable, d'un côté comme de l'autre (Ozu, Renoir, Tati, Ray, Stahl, Kurosawa). Pour ce qui est de l'actualité, autour du point central Coppola, on se satisfait à égalité des choix de Godard et Pialat et de Rosi et Cimino. Don Giovanni et La luna, bien qu'intéressants, ne m'avaient pas bouleversé mais il reste des propositions intrigantes de part et d'autre (Oliveira, Straub, Depardon, Skolimowski, Altman, Jancso). Equilibre parfait. Allez, pour 1979 : Match nul.

 

A suivre...

Sources : Calindex & Cahiers du Cinéma

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17.12.2009

Irène

(Alain Cavalier / France / 2009)

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irene.jpgA l'aide de sa petite caméra numérique, Alain Cavalier filme autour de lui tout ce qui peut évoquer Irène, sa compagne décédée il y a près de quarante de cela. Il cadre des objets, du mobilier, des pièces, des paysages susceptibles de se recharger de sa présence. Se situant à l'une des extrémités du spectre du cinéma, le film contient tout de même, en son centre, une sorte de morceau de bravoure (preuve qu'il y a bien, malgré les apparences, une dramaturgie) : le récit de ce terrible après-midi de janvier 1972, au cours duquel Alain Cavalier perdit sa femme. La séquence est bouleversante au point de nous faire dire qu'une telle chose, si proche de l'indicible, ne peut finalement être racontée et partagée que comme cela, en passant par une remémoration clinique des faits et des gestes dans les lieux inchangés du traumatisme. Cette déambulation dans un salon sous-éclairé et vide de toute présence humaine autre que celle du cinéaste derrière sa caméra dit tout de l'absence et traduit très précisément l'interrogation insoutenable et paralysante, la montée de l'angoisse et l'incompréhension.

Irènedécrit tout d'abord les tentatives du cinéaste souhaitant réincarner la disparue. Il avance sur ce chemin progressivement : la forme prise par une couette de lit lui rappelle une posture de sa femme, puis il semble la retrouver dans une silhouette passant sur la plage ou sur des affiches publicitaires. Il est même tenté par une incarnation cinématographique, songeant contacter Sophie Marceau ou filmer une belle jeune femme rencontrée récemment. Cette dernière sera la seule personne, hormis Cavalier, réellement présente à l'écran, pendant un court instant, mais ce "coup de théâtre" marque en fait un point de non-retour. Le cinéaste renonce en effet brutalement et s'ensuit un brouillage du récit, une divagation aux effets amplifiés par une chute et des pépins physiques. Un regard peint par Manet paraît proposer une nouvelle réincarnation possible mais, ici, le tableau pré-existe à Irène. Il ne reste donc plus qu'à revenir à l'essentiel, aux écrits, aux photos (qui nous étaient jusque là refusées, établissant une sorte de suspense) et, puisque tout "refroidit" avec le temps, à se placer face à soi-même, passer de l'autre côté, dans un autre état peut-être, afin de mieux plonger à l'intérieur de soi et d'y extirper ce qui doit sortir.

Alain Cavalier va assez loin dans l'aveu impudique, transgressant, en deux ou trois occasions les règles généralement posées par le contrat tacite entre spectateur et cinéaste. Pour autant, rien n'est gênant ni déplacé (entre autres grâce à l'humour qui perce ici ou là) et, au contraire, il devient impossible de ne pas se rapprocher, de ne pas se projeter vers cette histoire singulière puisque Cavalier, entre ses souvenirs émus et ses déclarations d'amour et d'admiration, ose dire tout haut ce qui peut à l'occasion traverser l'esprit de chacun : ces pensées terribles, inexprimables, qui peuvent venir à nous brièvement, quelle que soit l'estime ou l'amour que l'on porte à la personne en face de nous.

Enfin, Irène est un film qui, à tout point de vue, apprend des choses, fonctionnant presque comme un outil d'éducation au cinéma. Au-delà des informations biographiques qu'il fournit, c'est bien sûr son côté "film en train de se faire" qui passionne : Cavalier construit son récit au fur et à mesure (les objets l'illustrent-ils ou en sont-ils à l'origine ?), il organise sous nos yeux sa mise en scène (voir la scène des boules-miroir et des cailloux sur le lit). Sans aucun filtre, les mots, les mouvements, les pensées du cinéaste viennent à nous.

 

Preuve de la grandeur de ce petit film, ces approches toutes très différentes et menant pourtant à des conclusions comparables : Dr Orlof, Balloonatic, Goin' to the movies, Rob Gordon, La petite marchande de bombesUne fameuse gorgée de poison

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15.12.2009

Un hommage juste ou juste un hommage ?

Franchement, vous avez envie, vous, de vous déplacer pour le biopic de Sfar après avoir vu ça ? Cette promesse d'un récit bien balisé, de l'enfance à la vieillesse, alternant les moments "historiques" connus et l'illustration des fêlures intimes, sans même parler du piège de l'incarnation...

L'hommage juste et définitif date en fait de 2005. Il entremêle génialement le passé et le présent, la reprise et la création, l'intime et l'universel. Il se passe d'accompagnement visuel puisqu'il n'a aucun mal à faire naître des images. Il dure 5'30 :

Serge - The Herbaliser feat. Katerine (album Take London, 2005, Ninja Tune)

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